La segunda bienal más antigua del mundo (solo superada por
La Biennale , en Venecia) y el evento de arte contemporáneo más grande del hemisferio sur y de América abrió sus puertas desde el miércoles (6 de septiembre). Con
121 participantes y alrededor de 1.100 obras de arte en diferentes idiomas, el
Este año
, la Bienal de São Paulo buscó revelar nuevas perspectivas sobre el mundo a partir de las emergencias de los tiempos actuales. Son más de 30 mil
m2 del icónico pabellón diseñado por Oscar Niemeyer, en
el Parque de Ibirapuera . El espacio que sufrió adecuaciones de accesibilidad también recibió intervenciones temporales en su diseño para albergar el evento.
Vea los 12 aspectos más destacados de nuestra primera visita:
1- Vano - estudio de arquitectura Lo primero que destaca es precisamente el
proyecto expositivo realizado por el estudio de arquitectura
Vão .
El trío de arquitectos formado por Anna Juni, Enk te Winkel y Gustavo Delonero observó momentos en el dibujo del propio Oscar Niemeyer en los que el arquitecto rompe con la línea recta, y a partir de esta observación el trío creó una nueva expografía. El proyecto contempla un recorrido diferente que pretende ofrecer una nueva dinámica al espacio, desafiando la obra modernista. " Nuestro enfoque consistió en dialogar con la estructura existente y las posibilidades disponibles. Esto implicó no sólo prestar atención a la reutilización de materiales sobrantes de exposiciones pasadas, sino también crear espacios a partir de los elementos constructivos que dan forma al propio Pabellón”, afirma el trío de arquitectos. El trío de arquitectos optó por cerrar el vacío central del primer piso y crear nuevas posibilidades de interacción con el espacio. 2. Ibrahim Mahama También hay otra novedad: la entrada en esta edición ha cambiado. El visitante inicia el recorrido a través de la puerta de cristal al final del edificio y ya no por los laterales. Allí mismo, una antigua vía de tren da la bienvenida al público. Es parte de una obra de
Ibrahim Mahama , un artista de Ghana que rescata elementos coloniales para cuestionar el pasado de su país y de todos los pueblos colonizados.
Lo saca de contexto y propone reflexiones con el objetivo de aportar nuevas perspectivas y significados. Las huellas nos remontan a los casi 100 años que Ghana fue
colonia británica , periodo en el que algunos ghaneses eran tratados como carga a la hora de ser transportados a la región sur del país.
3-Denilson Baniwa Artista y activista, Baniwa
aborda la cuestión de los derechos de los pueblos originarios; el impacto del sistema colonial y la valoración de la cultura indígena, proponiendo además reflexiones sobre la condición actual de los pueblos indígenas. Destaca entre la lista de participantes que desdibujan los límites de las prácticas artísticas.
"Uno de los artistas más destacados de su generación, Denilson Baniwa propone una reelaboración de la idea de archivo como instrumento pedagógico para la reflexión y como fábrica de historia. Desde sus obras iniciales, la intervención sobre grabados producidos en el contexto de la colonización de América, hasta las obras más recientes, de carácter instalativo y participativo, Baniwa incursiona en el archivo con el objetivo de tensar y debilitar el tiempo acelerado de la conquista y la colonización y hacer aflorar el tiempo de la reflexión, de la espera. y escuchar", dice el crítico de arte Renato Menezes, autor del texto del catálogo de la edición.
4- Movimiento de Artistas Huni Kuin - Colectivo MAHKU En el segundo piso, los visitantes son recibidos por las obras del colectivo
Movimento dos Artistas Huni Kuin - MAHKU (grupo indígena ubicado en Acre). Las pinturas llaman la atención por sus colores neón, que buscan traducir las imágenes creadas por el grupo a partir del efecto de la hierba Avahuasca, un ritual curativo tradicional realizado por la etnia.
5- Kapwani Kiwang Las obras de
Kapwani Kiwanga se presentan a través de múltiples soportes, como instalación, escultura, fotografía, vídeo y performance. Siempre se piensa en estos lenguajes en relación con sus investigaciones que tocan historias marginadas, asimetrías de poder, contra narrativas históricas, especialmente los
efectos de la colonización de las Américas. En este juego de crítica simbólica e imaginación de futuros posibles, la
instalación "Rosa-azul" nos invita a vivir con el color en su estado material. Estas construcciones muchas veces se crean para impactar y controlar el comportamiento humano en espacios o instituciones públicas. El rosa aparece en los sistemas penitenciarios en la década de 1970 y fue diseñado para reducir la agresión y el conflicto entre los reclusos. El azul se usó intencionalmente en baños públicos para reducir la visibilidad de las venas y supuestamente reducir el uso de drogas inyectables, lo que estadísticamente aumentó el riesgo de inyecciones peligrosas.
6- Rubén Valentín Los emblemas y objetos de
Rubem Valentim se mueven entre el arte y la religión, componiendo un repertorio simbólico-mágico en obras de estética geométrica que dialogan con la religiosidad afrobrasileña.
El artista
Rubem Valentim (1922-1991) combinó elementos del modernismo y la abstracción geométrica con las culturas africana y afrobrasileña , y con diversas corrientes filosóficas y místicas orientales, siempre en busca de una
conciencia de la tierra , del pueblo.
7- Sonia Gómez La obra no figurativa de Sonia Gomes trae a la discusión temas como la raza, el género y el tiempo. Allí los materiales evocan historias, recuerdos y afectos. Sus piezas atadas, retorcidas y cosidas se transforman en objetos escultóricos.
8-Rosana Paulino Rosana aborda temas que todavía se omiten en gran medida, como las discusiones sobre género y esclavitud y el papel de los negros en la sociedad. Sus obras tienden a abordar principalmente la posición de las mujeres negras y el racismo.
(Isabella Matheus/CASACOR)
Con dos series de obras expuestas en el tercer piso, Rosana Paulino busca soluciones para hacer posibles estas coreografías. En estas pinturas inéditas, la artista presenta entidades femeninas que se estructuran sobre superficies con diferentes raíces. Podría ser una alusión al cuerpo natural de todo ser humano enfermo en este mundo en crisis.
9- Arthur Bispo del Rosario Arthur Bispo do Rosario (1909 - 1989) vivió prisionero durante cincuenta años en el hospital psiquiátrico , donde realizaba sus creaciones que, según el artista, eran dictadas por los ángeles para ser presentadas a Dios en el Juicio Final. Diseñado como un inventario del mundo, este conjunto artístico fue catalogado por el Instituto del Patrimonio Histórico y Artístico Nacional (IPHAN) en 2018 y fue expuesto en exposiciones como Exposición Brasil + 500 redescubrimiento y la 30° Bienal de São Paulo (Brasil) , además de la 55° Bienal de Venecia (Italia). 10 - Wilfredo Lam "La pintura como acto de descolonización" , afirmó Wilfredo Lam , uno de los artistas latinoamericanos más importantes. Hijo de una mulata cubana y un comerciante chino, desde niño frecuentaba los templos de Candomblé, dirigido por su madrina, la madre del santo yoruba más importante de su ciudad natal. Su formación artística tuvo lugar en Madrid, España, adonde acudió en 1924 becado, visitando museos y estudiando bellas artes. Participó en la Guerra Civil Española, adoptando ideales políticos de izquierda. En la sala especial de la exposición, el artista está presente con varios cuadros de su legado. 11-Francisco Toledo Uno de los hitos de la obra de Francisco Toledo y expresión de su compromiso social aparece en Papalotes de los desaparecidos (2014), proyecto expuesto en la 35ª Bienal de São Paulo . Los cometas creados con la colaboración de los asistentes al Taller de Arte y Papel de San Agustín Etla se sumaron a las múltiples protestas que se han dado en México desde 2014, cuando un grupo de 43 estudiantes de secundaria, en su mayoría indígenas, de la Escuela Normal Rural Raúl Isidro Burgos , radicados en Ayotzinapa, México, fueron secuestrados por policías municipales. 12 - Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes y Manuel Borja-Villel “
Nuestro objetivo era crear una edición sin limitar categorías ni estructuras . Adoptamos un sistema descentralizado, alejándonos de las normas tradicionales. Elegimos conscientemente no tener un curador jefe, buscando disolver las estructuras jerárquicas. Nuestra lista de
artistas cubre un amplio espectro de formas artísticas y voces de varios territorios alrededor del mundo. Entonces, la pregunta que queda es: ¿cómo se reflejan las imposibilidades de nuestra vida cotidiana en la producción artística? Las coreografías de lo imposible nos ayudan a darnos cuenta de que cada día encontramos estrategias que desafían lo imposible, y son
estas estrategias y herramientas para hacer posible lo imposible las que encontraremos en las obras de los artistas ”, afirma el grupo curatorial.
SERVICIO
35ª Bienal de São Paulo – coreografías de lo imposible Curadores: Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes y Manuel Borja-Villel Expografía: vana 6 de septiembre – 10 de diciembre de 2023 Martes, miércoles, viernes y domingos: 10 a. m. a 7 p. m. (última entrada: 6:30 p. m.); Jueves y sábados: 10 a. m. a 9 p. m. (última entrada: 8:30 p. m.) Pabellón Ciccillo Matarazzo / Parque Ibirapuera · Puerta 3 - São Paulo, SP
Evento gratuito 
